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L’exposition Bruyantes Mécaniques met en résonance quatre installations/dispositifs sonores, électroniques et mécaniques, qui tentent une exploration de la symbolique de la probable conscience des machines.
A travers l’utilisation de capteurs, boucles son/images, systèmes complexes, indéterminés ou scénographiés, les artistes Adam Basanta, Studio Bruyant, Peter Keene et Stéphane Bissières repoussent les limites de l’aléatoire et développent un rapport intime corps/machine.
Le spectateur/acteur n’est pas introduit dans un dispositif prévisible mais interagis sur le résultat du projet installatoire, et est immergé dans un processus dont il est l’interférant principal.
Selon les heures de la journée, la chaleur, la lumière ambiante, la quantité de personnes présentes, les dispositifs se mettent en mouvement, réagissent et interagissent différemment, quelques fois de manière chaotiques, et produisent une scénographie sonore et visuelle aléatoire, comme sensibles à leur environnement.
L’exposition Bruyantes Mécaniques emprunte aux fantasmes et mythes de la science fiction des années 1970, et tente parallèment une introspection dans notre époque contemporaine, celle des algorithmes et de l’intelligence artificielle.
En partenariat avec Le Bon Accueil, lieu d’Art Sonore, Rennes.
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"The only thing we know about the future is that it is going to be different." -- Peter Drucker, Management: Tasks, Responsibilities, Practices (1973), Pt. 1, Ch. 4.
The above message, written in the past concerning the future, is spoken by a speech synthesis algorithm unavailable in 1973, recorded and amplified on cassette tape recorders produced between 1968 and 1979. At their time, these artifacts were material participants in the imagination of “The Future” through both function and visual design. Today, they have become obsolete and fashionable several times over.
Such recording technologies condense time, allowing the past sentiment about the future into the present, while simultaneously amplifying time-difference through the sonic signifier of recorded fidelity. Taking advantage of the mechanical systems at play, Drucker’s statement continually scrambles itself in time - creating unpredictable sense, non-sense, and new-sense - illustrating that indeed, the only thing we know about the future is that it is different, although perhaps not in the ways we expect it to be.
Ironically, without prescience or clairvoyance, this knowledge is only known through contemplation of the past.
Biography
Adam Basanta (b. 1985) is a Montreal-based sound artist, composer, and performer of experimental music. His work traverses sound installations, electroacoustic and instrumental composition, site-specific interventions, and laptop performance. Across disciplines and media, he interrogates intersections between conceptual and sensorial dimensions of listening, instabilities of instrumentality, and means with which site and space can be articulated.
His sound installations have recently been presented in North America and Europe in galleries and institutions including Carroll/Fletcher Gallery (London), National Art Centre (Tokyo), American Medium Gallery (NYC), New Media Gallery (CAN), Serralves Museum (POR), Edith-Russ-Haus fur Mediakunst (GER), Vitra Design Museum (GER), Laboral (ESP), Gallery B-312 (Montreal), Fonderie Darling (Montreal), Titanik Gallery (FIN), The Center for Contemporary Arts Santa Fe (USA), and BIAN 2014 Digital Art Bienale (Montreal). His installations have been awarded in the Prix Ars Electronica 2013 (honourable mention, Hybrid Art category), the 2014 Edith-Russ-Haus Awards for Emerging Media Artists, and the Excellence prize in the 2015 Japan Media Arts Festival. His work has been positively reviewed in publications such as Artforum, Hyperallergic, ETC Media, Neural magazine, Musicworks, Creator?s Project, The New York Times, and the Wall Street Journal.
His experimental concert music has been presented worldwide, including appearances in the MATA Festival (NY), Gaudeamus Musicweek (NL), CTM Festival (GER), Akousma Festival (CAN), and Mutek Festival (CAN), and have been awarded multiple national and international prizes, including Metamorphoses 2010 (Belgium) and the Grand Prize in the SOCAN Foundation Awards for Young Composers (Canada). Recently, his music has been released on Kohlenstoff Records (Montreal), Farmacia901 (Italy), and Cassauna (USA). |
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DATALINE est une installation sonore composée de l'assemblage de plusieurs modules de disques durs contrôlés via Arduino. Chaque disque dur est une source acoustique formant un synthétiseur qui produit de façon algorithmique des motifs mélodiques génératifs. Bien que répétitifs et inspirés du courant minimaliste, ces motifs génèrent des variations infinies, ainsi lorsque l'auditeur se déplace à proximité de la pièce la « spatialisation naturelle » crée l'illusion de l'émergence de nouveaux motifs.
Nous sommes faits de pensées, de rêves et d'idées, mais c'est notre corps qui nous révèle au monde. Dans le domaine des arts numériques, virtuels et abstraits, ces choses obsolètes sont comme des vestiges d'une entité en mutation. Elles nous parlent de notre identité et de notre évolution. Automates obsolètes recyclés, les disques durs « mécaniques » sont ici démontés, privés de leur plateau mémoire pour ne laisser visible que la partie mécanique. Une nouvelle vie leur est insufflée à l'aide de micro systèmes arduinos afin de générer des patterns musicaux génératifs ou répétitifs, une forme de poésie industrielle en réflexion à notre rapport à la technologie et à l'obsolescence.
L'installation « Dataline » fait partie de la série « Hard Drives Music », coproduite par Le Cube.
Biographie
Compositeur et artiste numérique, Stéphane Bissières vit et travaille à Paris. De la
musique contemporaine à la techno en passant par la création vidéo et le design
d'interactivité, il développe des performances et des installations singulières mettant
en scène l'interaction entre le public et les dispositifs de création.
Ses travaux questionnent notre rapport à la technologie, notamment à travers les
thèmes de l'obsolescence programmée, de la surveillance de masse et de toutes
formes d'hybridation entre l'homme et la machine. Ses projets musicaux s'axent
autour de la création électronique en temps réel pour une approche organique
directement reliée au geste. Musicien de jazz pendant une dizaine d'années, il garde
le goût de l'improvisation, de la collaboration et de la création dans l'instant. A la
recherche de nouvelles formes d'écriture, il développe des processus
compositionnels algorithmiques influencés par l'application de motifs
mathématiques. Primé par la Sacem, l'Imeb et le prix Paris Jeunes Talents, il est
compositeur pour Radio France et collabore aussi avec le label Signature et le GRM. Il
développe pour la société Dafact de nouvelles interfaces de captation gestuelle,
réalise des installations pour le Fresnoy et crée à l'Institut National de l'Audiovisuel le
cursus de création interactive. |
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TOTEM est une installation interactive mécanique et musicale composée de modules percussifs et autres machines à bruits. Véritable instrumentarium de musique concrète et électronique, l’installation prend vie grâce à un système de tracking détectant la présence et les mouvements l’entourant.
Ainsi Totem peut s’expérimenter de façon passive ou active, car on peut la regarder, l’écouter et danser avec elle. De plus, s’adaptant au nombre de participants, chaque expériences de Totem est unique et imprévisible.
Production : Studio Bruyant, festival Teriaki
Conception, développement, composition sonore, design : Studio Bruyant
Réalisation de la sculpture : Vincent Jarry
Avec le soutien de la Gaîté Lyrique.
Biographie
STUDIO BRUYANT est un studio de création interactive autour de la musique et du jeu composé de Bruno Ribeiro, Guillaume Evrard et Olivier Guillerminet. Nous créons des installations, des performances, et des applications mêlant interactivité, son et image. Nous imaginons ( Concept, Gameplay ) et produisons
( Développement Informatique, Design Visuel, Sound Design) des expériences aux nouvelles formes narratives entre le jeu vidéo immersif et l’oeuvre d’art participative.
Nous sommes un studio de création interactive basé à Paris. Fondé par des ingénieurs, musiciens et artistes visuels, nous créons des installations et performances autour du jeu et de la gamification. Les expériences proposées empruntent donc autant à l’art génératif qu’au jeu vidéo, et proposent également une dimension sociale et participative.
Nous travaillons sur nos propres créations, et intervenons auprès d’autres artistes numériques, des institutions et des marques. |
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As long as I can remember, I've been playing around with electronic sounds starting with prepared TV and old radio sets record player amplifiers tape recorders audio oscillators bizare army surplus test equipment and many 1000's of analog synthesizer circuits which I've been using in my work for at least 35 years.
Lost science revisited...
Retenir, explorer, remettre sur l’établi pour les basculer dans le champ de l’art — les quelques dispositifs fondamentaux de l’histoire des technologies et des sciences est le propos premier de Peter Keene.
Par l’étude de différents possibles via un work in progress mené sur plusieurs années, l’artiste anglais replace les œuvres de la science et de la technique (la télévision mécanique de John Logie Baird— les champs électromagnétiques de Nicolas Tesla— le Theremin — l’oscillateur aux ondes multiples de Georges Lakhovsky — le rayon Rife …) dans le fil du temps artistique.
Hybridation
Son, lumière, mouvement, énergie... Les dispositifs de Peter Keene cherchent la symbiose, dans des œuvres où la machine sert à percevoir l’onde, le temps de l’évaporation, la couleur de la note ou le chant de la saucisse…
Electronique analogique, chimie, mécanique, hauts-voltages sont au service de son oeuvre toujours expérimentale qui oscille sans retenue entre l’art et la science
Biographie
Né en 1953 à Birmingham, Angleterre.
Vit et travaille entre Paris et Bruxelles.
Retenir, explorer, remettre sur l’établi pour les basculer dans le champ de l’art — les quelques dispositifs fondamentaux de l’histoire des technologies et des sciences est le propos premier de Peter Keene.
Par l’étude de différents possibles via un work in progress mené sur plusieurs années, l’artiste anglais replace les œuvres de la science et de la technique (la télévision mécanique de John Logie Baird— les champs électromagnétiques de Nicolas Tesla— le Theremin — l’oscillateur aux ondes multiples de Georges Lakhovsky — le rayon Rife …) dans le fil du temps artistique.
Son, lumière, mouvement, énergie... Ses dispositifs cherchent la symbiose, dans des œuvres où la machine sert à percevoir l’onde, le temps de l’évaporation, la couleur de la note ou le chant de la saucisse…
Electronique analogique, chimie, mécanique, hauts-voltages sont au service de son oeuvre toujours expérimentale qui oscille sans retenue entre l’art et la science. |
